如何欣赏毕加索的油画？
一、画家的生平。
巴勃罗·毕加索(1881 ~ 1973)出生于西班牙马拉加。他是当代西方最具创造力和影响力的艺术家之一。立体主义的创始人毕加索及其绘画在世界艺术史上占有不朽的地位。毕加索是一位多产的画家。据统计，毕加索的作品总计近37000幅，其中:油画1，885幅，素描7089幅，版画20000幅，石版画61幅。
巴勃罗·毕加索是一个对千变万化的艺术手法的追求者，印象派、后印象派、野兽派的艺术手法都被他重新选为自己的风格。毕加索的才华在于，他在各种变奏风格中保持了自己粗犷有力的个性，并能在各种技法的运用中达到内在的统一与和谐。毕加索已经登峰造极，他的作品，无论是陶瓷、版画还是雕塑，都是幼稚的游戏。在毕加索的一生中，从来没有一个具体的老师，没有一个具体的孩子，但是没有一个活跃在二十世纪的人能够完全绕过毕加索所开启的前进之路。这就是为什么毕加索是一个真正的天才。20世纪属于毕加索。毕加索在这个多变的世纪之初，从西班牙来到世界艺术之都巴黎，开始了他一生辉煌的艺术发现之旅。在20世纪，没有一个艺术家像毕加索那样以多变的绘画风格著称。毕加索的成名不仅仅是因为他早年的成名和代表作如《阿维尼翁的少女》和《格尔尼卡》，还因为他丰富的创造力和丰富多彩的生活，他留下了大量多面的艺术作品，据统计，毕加索已经完成了大约6万至8万件作品，除了绘画和素描之外，还包括雕塑、陶器、版画、舞台服装和其他造型表现。1973毕加索去世后，世界各大美术馆不断推出各种关于他的回顾展，关于毕加索的话题不断，而且经常有新的说法，仿佛他还活着。
第二，立体派
立体主义(立体派)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，也译作立体派，1908年始于法国。立体主义艺术家追求碎片化、分析和重组的形式，形成一个分离的画面——以许多组合的碎片作为艺术家展示的目标。艺术家从多个角度描述物体，并把它放在同一个画面中，以表达物体最完整的形象。物体各种角度的重叠创造出许多垂直和平行的线角，散落的阴影使立体派画面没有传统西洋画透视法造成的三维空间的错觉。背景与画面主题交替穿插，使立体派画面营造出二维绘画特征。
立体派开始于1908年，由居住在蒙马特的乔治·布拉克·乔治·布拉克和毕加索·帕布鲁·毕加索创立。
立体派的大师是毕加索和布拉克。其中毕加索的油画《阿维尼翁的少女》(1907)被认为是第一幅包含立体主义的作品。
三、作品欣赏
毕加索的杰作《格尔尼卡》。
毕加索的《格尔尼卡》是一幅永久陈列在联合国会议厅的画作，完成于1937。《格尔尼卡》原是毕加索受西班牙政府委托为巴黎世博会西班牙馆创作的装饰画。时至今日，《格尔尼卡》作为世界反法西斯战争胜利的代表作被世人推崇，时刻告诫人们热爱和平，反对战争。格尔尼卡宽350.5厘米，长782.3厘米。毕加索对立体派绘画进行了分解，用半立体、半剪纸的方法，通过寓意、象征的方式来表现。他的作品只有黑色、白色和灰色。格尔尼卡很有名，从艺术史到中小学美术教材都有。
1937年4月的一天，正在巴黎躲避战火的毕加索听到消息，美丽的西班牙小城格尔尼卡，商业村，被德国轰炸机炸成了一片废墟。当时，街上挤满了人，镇上无辜的居民遭到屠杀。毕加索被这种野蛮的暴行震惊了，他忧郁的心情变成了愤怒。毕加索决定用画笔作为武器来揭露这种令人发指的野蛮行为。
毕加索对《格尔尼卡》这部关于战争的作品的表达，在之前的画作中是找不到的。如德拉克洛瓦的《屠杀希亚岛》、西里科的《美杜莎之筏》、戈雅的《五月三日马德里》等展现战争场景的作品，都是用写实的手法描绘的，用来记录和再现历史。这种写实的手法得到了时代的认可，是描绘大规模战争场景的典范。然而，毕加索一反常态地采用了抽象的象征性表达。《格尔尼卡》完成后，它在欧洲巡回演出，没有受到任何批评，并受到广泛赞扬。
抽象派和立体派在当时刚刚流行，只有少部分人知道这是怎么回事。可以说立体主义绘画是毕加索首创的。在此之前，毕加索本人从未用抽象或象征的手法正式画出如此严肃的主题和如此巨大的作品。直到今天，西方人也可能还不能完全接受抽象画。抽象画的出现提出了艺术不一定是美的命题。这个命题或命题标志着现代艺术与传统艺术的彻底决裂，毕加索呈现给世人的《格尔尼卡》正是不折不扣的现代主义的表达意图。
毕加索的《格尔尼卡》不是从觉醒或号召人们武装反抗的角度写的，也不是从谴责和抗议的角度写的，而是从“悲伤”、“难过”、“恐慌”、“痛苦”的角度写的。虽然这符合毕加索的性格，但从艺术史的角度来看，这是一个大胆的举动。毕加索在创作过程中写了一首诗，很能说明《格尔尼卡》的基调:“...孩子的哭声，女人的哭声，鸟儿的哭声，花儿的哭声，木头和石头的哭声，床、椅子、窗帘、瓶瓶罐罐、猫和纸的哭声，交织在一起的气味的哭声……”从人情的诗意角度，毕加索采取了“旁观者”的视角。
我们在欣赏《格尔尼卡》的时候，经常会想到一些问题。西方人在接受一个文化事件时确实有一种宽容的心态，他们尊重艺术家的才华和个性。无论作品效果如何，绘画艺术一般都被视为艺术家个人象牙塔里的东西。怎么表达，怎么探索，是你自己的事。立体主义和抽象表现主义远离现实生活。作为公共艺术，作为具有政治倾向和针对性的反法西斯作品，作为重要作品，观众会这样理解吗？政府还能理解这一点吗？作为一个画家，谁能这样表现？谁敢这样做？如果不是毕加索，很难想象。
毕加索是大师，因为他知道自己的使命，并且有能力完成它。毕加索只有通过创作才能赢得自己的生存权。当然，艺术创作也取决于艺术家的个性和勇气。艺术家要时刻提醒自己:应该怎么做？你做了什么？艺术家同时改变自己的命运和社会。西方人对艺术的包容，其实是尊重艺术规律的表现，发挥你的想象力去理解《格尔尼卡》，因为艺术作品就是要让人有感觉。西方艺术史学家贡布里希说:“就艺术史而言，我们必须承认，艺术史的主题是艺术家本人，而不是某个民族或风格的组合。”一部绘画史可以从多个角度去理解，可以看作是风格演变的历史。时代在变，文化在变，人们的审美情趣在变，绘画艺术自然也在变，没必要墨守成规。
阿维尼翁的年轻女孩
《阿维尼翁的姑娘》是一幅具有重要意义的油画，它不仅标志着毕加索个人艺术历程的重大转折，也是西方现代艺术史上的革命性突破，引发了立体主义的诞生。画面左边三个裸女的形象明显是古典人体的僵硬变形，而右边两个裸女粗糙异常的面容和姿态则充满了原始艺术的野性特征，野兽派画家发现了非洲和大洋洲雕塑的原始魅力，并将其介绍给毕加索。
然而，用原始艺术摧毁古典美学的是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画中，不仅比例，而且人体的有机整体性和连续性都被否定了。所以这幅画“就像在地上打碎了一个玻璃”。立体派油画家毕加索在油画《阿维尼翁的少女》中毁灭了很多东西，但是在毁灭的过程中他收获了什么呢？当我们从第一眼看到这幅画的震惊中恢复过来时，我们开始发现破坏是相当有序的:一切，无论是图像还是背景，都被分解成有角的几何块。我们注意到，这些碎片并不是平面的，它们有一种三维空间的感觉，因为它们是有阴影的。我们并不总是确定它们是凹的还是凸的；其中一些看起来像固体块，而另一些看起来像透明体的碎片。这些不寻常的区块让画面有了一些整体性和连续性。
从这幅油画中，我们可以看到一种在二维平面上表现三维空间的新技法，这种技法早在1800年就已经被塞尚的绘画所采用。我们看到图片中央的两个图像的脸是正面的，但是他们的鼻子被画成了侧面；头部在图像的左侧，但眼睛是正面的。不同角度的视频组合在同一个图像中。这种所谓的“同步视频”语言，更明显地用在了画面右侧的蹲式图像上。这张背部四分之三的图像，由于分解和拼接，与脊柱的中轴线分离。它的腿和胳膊被拉长，暗示着向深处延伸；头被翻过来盯着观众。毕加索在将各个角度的图像合成为这幅图像之前，似乎在图像周围圈了180度。这种画法彻底打破了意大利文艺复兴以来500年间透视法对画家的限制。
油画《阿维尼翁的少女》始于1906，完成于1907，期间多次修改。在这幅画中，五个裸体女人和一组静物构成了一个正式的构图。这幅画的标题是毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼加的。据说毕加索本人也不喜欢。但无论如何，这只是作品的名字。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家往往有意识地不用标题来解释作品的内容。画家毕加索的油画《阿维尼翁的少女》一定也是如此。画的初衷是以性传播疾病的讽喻为题，取名为《罪的赏赐》，在原素描中一目了然；小品里有一个手里拿着骷髅的男人，让人想起一句古老的西班牙道德格言:“一切都是虚空”。但在这幅画的正式创作过程中，这些轶事或隐含的细节被画家去除了。它的终极震撼力不是来自任何文学描写，而是来自其绘画语言的感人力量。