「后洛可可主义」是什么概念？
目录
洛可可艺术理念
雕刻
画
时尚和家具
建设
洛可可是法语Rococo的音译，这个词来源于法语ro- caille(贝壳工艺)。这种风格的特点是岩石和蚌壳。它是一种华丽、精致、复杂的艺术风格，融合了巴洛克风格和中国的装饰趣味，并使用了多条S线。
巴洛克艺术是一个男性化的时期，尽管它有严格的礼仪、形式上的骄傲和夸张。随后的时期，也就是洛可可艺术，大约从1715年路易十四去世开始，更加精致，更加自命不凡，更加死板，也因此更加无力。可以认为这一时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器的流行。最初，人们用沉重的银餐具吃饭，用大石头制作巨大的雕塑，但现在他们用易碎的瓷器作为餐具，也制作小巧精致的瓷器雕像，从而反映出这个浪漫时期的精神。
君主制和教会的绝对权威促进了17世纪那些动态表达形式的发展，而这些正是专制主义的代表们自我表达和对其专断权力要求的具体解释所需要的。在18世纪，这些权威人物失去了威信，不仅是因为一些世俗和教会贵族因其放荡的品行而在思想上和道德上彻底名誉扫地，还因为自然科学和哲学发展了理性思维，使人们认识到了旧社会制度的弊端。这种基于批判性思维的乐观自信，以及与之相连的对自身能力的无限自信，最终导致了个人情感价值的优雅。人们喜欢田园诗般轻松的抒情，喜欢安纳克瑞昂的诗歌，不要17世纪悲剧中那种符合道德义务、荣誉和意志的英雄史诗，而更喜欢喜剧的真实和贴近现实的典型性以及精彩的对话风格。
在这个时期，造型艺术是这个思想和道德解放的社会的忠实仆人。尽管如此，洛可可艺术并不是一种独特的、有创造性的或与巴洛克艺术完全不同的艺术风格，因为它是椭圆形的，在中央大厅和西厂之间还有两个较小的椭圆形大厅。总之，在教堂内部，椭圆形大厅和圆形大厅反复交叉渗透，这种“多声部”可以和巴赫创作的一首赋格曲相媲美。
蓬帕杜夫人(1721 ~ 1764)是洛可可艺术风格的创始人。她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护者”的身份影响了当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名珍妮·安托瓦内特·泊松，出生于巴黎一个金融投机者家庭，后来成为路易十五的情妇，并被封为侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，洛可可艺术风格应运而生，使得17世纪时气象繁盛的雕塑风格在太阳王下熠熠生辉，并在18世纪时被这位女士用纤纤玉手抚摸，显得格外柔美迷人。
洛可可世俗建筑艺术的特点是结构轻盈的花园式豪宅，越来越排挤巴洛克式的宏伟宫殿建筑。在这里，个人可以自由发展，不受自吹自擂的宫廷社会的干扰。例如，逍遥宫或关静大厦的名字都表明了这些豪宅的私人特征。尤金王子的花园宫殿是一个生机勃勃的整体，由七座对称排列的亭子式建筑组成，其折叠式复合坡屋顶从中间向四个角楼的穹顶优雅对称地展开(图202)。上面有山墙的单层正厅，几乎有了中产阶级的舒适，而两个宽展的双层厢房，显示了主人的奢华，却没有王公贵族的骄傲。两座宽度适中的单层建筑位于塔亭之间，亭台楼阁的富丽堂皇使整个建筑具有了一座坚固城堡的特征——简而言之，截然不同的建筑理念被统一在一种优雅的内部联系中。正是这种形式和风格几乎相互矛盾的建筑群体的粗心配置，清楚地体现了洛可可艺术的精神。
维尔茨堡大主教办公室的楼梯大厅给人留下了巴洛克晚期建筑优雅的美好印象。诺伊曼在这里浪费了很多空间，设计了两个对称的楼梯大厅，但只建了一个。然而，仅此一项就足以赋予这个宏伟的室内空间一种壮观的气氛，而这种气氛又传递到前厅、园厅、朝觐厅等一系列建筑上(图207)。威尼斯人蒂埃波罗在楼梯大厅和朝圣大厅所绘的天顶画，将建筑艺术的魅力发挥到了无与伦比的地步。天花板被600平米的巨幅天顶画幻化成五颜六色的光线，仿佛从空旷的天空射进房间。天空中充满了奇形怪状的图像，巧妙地掩盖了建筑和绘画的界限(比如狗就像站在突出的水平装饰物上)。石膏花饰也被挤入画中，画中的人物利用手中的雕塑来占据建筑空间。有了这种错觉手法，绘画、雕塑、建筑艺术就完全统一了。
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洛可可艺术理念
1，意义和背景
洛可可艺术是18世纪的法国艺术风格，起源于路易十四晚期(1643 ~ 1715)，流行于路易十五时期(1715 ~ 1774)。
18世纪被视为“理性”或“启蒙”的时代。哲学家们改变了他们的工作，从假设上帝的存在，到根据实验和观察来推断一切。他们几乎将神学排除在哲学之外，选择了世俗路线，兴趣从关注贵族教育转向寻求轻浮享乐。艺术风格贯穿了音乐家莫扎特、海顿，作家蒲柏、艾迪生、傅尔泰，画家瓦尔多、康斯博罗之间一个共同的主题，将理性和美好的趣味与轻松、清晰、有序的材料结合在一起。
路易十四经常在凡尔赛宫举行各种舞会，用繁琐的礼仪和毫无意义的职责折磨贵族，然后用华丽的宫廷装饰营造出一种悠闲的环境，有利于发生婚外情，以消耗贵族的精力，使他们无暇策划谋反。因此，艺术家被授权编造一个幸福的理想生活，其唯一目的是创造一个悠闲而实际上懒散的社会幸福。
洛可可是相对于路易十四宏伟庄严的古典艺术而言的。这种变化和法国贵族的衰落与启蒙运动的自由探索精神(几乎取代了宗教信仰)和中产阶级的日益繁荣有关。
洛可可在形成过程中也受到了中国艺术的影响，尤其是在园林设计、室内设计、丝绸制品、瓷器、漆器等方面。(比如中国人的小陶瓷，德国麦尔，1768)。因为当时法国艺术是欧洲的中心，所以洛可可艺术的影响遍及整个欧洲。
洛可可艺术复杂的风格与中国清代风格相似，是中西封建历史走向终结的共同标志。
2.词源和意义
词源上，洛可可这个词和法语rocaille(摇滚饰品)有关。早在17世纪，法语单词rocaille经常被用来指洞穴，(也有一种说法是中国假山设计在文艺复兴时期传入意大利)，travail de rocaille(岩石工艺)是travail的同意。洛可可是指在室内装饰、建筑、绘画、雕塑、家具、陶瓷、染织、服装等方面流行的一种艺术风格。
对洛可可的另一种解释最早出现在法兰西学院的字典中，它指的是“从路易十四到早期路易十五奇怪的装饰、风格和设计”。有人把“洛可可”和意大利的“巴洛克”联系在一起，把这种“奇怪”的洛可可风格视为巴洛克风格的晚期，即巴洛克的解体和颓废阶段。
3.洛可可艺术的特点。
①曲线有趣，常用C形、S形、漩涡形曲线作为装饰效果。
②构图不对称，但具有轻盈飘逸的运动感。
(3)色彩柔和艳丽。
4崇尚自然。
⑤人物的戏谑与儒雅，表现了浪漫爱情、性爱、母爱等不同种类的爱情。
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雕刻
从维尔茨堡的例子可以清楚地看出，在巴洛克晚期，建筑与雕塑的区分并不容易，因为雕塑起着装饰作用，统一在建筑艺术作品的整体范围内，有时，它又会反过来起到赋予建筑美学意义的作用，就像威尔顿城堡修道院教堂(图208)。在这里，建筑方案是将圣乔治圣坛打造在“合适的光线”中。正因如此，建筑师科斯米·达米安·阿萨姆(cosmi Damian Assam)只让会众大厅有昏暗的灯光，并用巨大的上层建筑罩住祭坛，从而让会众一直处于神秘的黑暗中。然而，他在祭坛后面的大厅里开了一扇大窗户，让刺眼的光线从窗户涌进来，直射到中殿。他的兄弟Egid Quilin Assam将圣乔治的骑马雕像放置在这个闪亮光源的中心，间接从背后给雕像带来非凡的光芒。圣人就像祭坛上一个非凡的幻象，被神圣的光芒所环绕，给黑暗中的世界以救赎和光明。一场宗教活动在这里变成了一场热闹的戏剧表演，就像当时的剧院一样，因为剧院也在上演一场讲述不平凡故事的戏剧。
巴洛克晚期雕塑艺术的戏剧性特征，也可以从当时使用的材料得到证明。因为一切都是以感性效果和炫目的第一印象为目的，所以不使用砂岩或大理石，而是使用质感较差的材料，比如大理石石膏(混合地面彩色砂岩和石膏，然后浇注打磨)，或者木材，然后在木材上涂上一层仿真石材的颜色。这种雕像是无法仔细观看的，也就是说它有一定的致盲效果，就像舞台上的布景一样。
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画
自由发挥的乐趣，摆脱一切思维获得感官愉悦的乐趣，这也许是这一时期绘画中最完美的表现，因为它不需要理性的辅助，就能直接满足和愉悦眼睛。得益于洛可可别致优雅的绘画，早在“为艺术而艺术”的观念形成之前，我们就看到了一种艺术需要通过艺术本身而不是内容来评价。
这种轻松愉快在华佗的新画中表现得最为完美，这让他获得了学院专门为他打造的“浪漫庆典大师”的称号。他的作品主要有《法舟Xi泰岛》，这是一个崇拜爱情女神阿佛洛狄忒的希腊岛屿。就像游园会上的超凡脱俗的表演，就像当时贵族宫殿里流行的一样。在爱情岛的光明前景面前，恋人的队列以一种饱和的暖色移动，使人与自然超越朦胧的轮廓相遇，踏上一艘小爱神盘旋左右、玫瑰红色风帆的金船。男人殷勤优雅，女人身着丝绸礼服，举止优雅，还有求偶、矜持、顺从的迷人表情，都让周围的景色有了远离尘嚣的静谧诗意，从而体验到人最温柔的情怀。这是一个优雅的世界，与宫廷现实无关。艺术家不想对观众隐瞒这一点。因为就像他银幕上的演员都是那个时代社会的理想人物一样，风景也是一个只能梦想的天堂，就像自然形态在温暖明亮的色彩中失去了真实性，变成了纯粹的绘画结构。
半个世纪后，正如华佗所知，在弗拉戈纳德那里，这首永远无法吟唱的情诗，变成了一场简单的爱情游戏。秋千上的女士——据说是一个有钱男爵的情人——代表了18世纪的女性普遍喜欢扮演的角色:在与她多情的情人的二重奏中扮演一个娇小妖艳的牧羊女。一个奇妙的公园景色，在浅色调中虚幻得像布景，是这首田园诗发生的地方，散发出一种天真游戏的气氛，却又不无兴奋。淑女是那种幼稚成熟的类型，是洛可可风格所提倡的类型。她善于用聪明的天真来达到目的。在这里，秋千可以让她从直接的纠缠中解脱出来，促使她竭尽全力地卖弄风情。她让自己的宽裙无忧无虑地舞动，让爱人看到迷人的一幕。现在还不清楚:快乐地荡得高高的那只鞋是谁？是这个人还是小爱神的雕像？背景有第三个演员，负责推秋千——那么，他是三角恋的参与者吗？
但是，无忧无虑又常常轻浮的洛可可风格，不仅在绘画上得到了推崇和认可，也引起了这个社会的非议。英国人威廉·霍加斯就是这样。他用一系列讽刺和谴责的漫画抨击了他那个时代的不道德行为。它们受到大众的喜爱，但并不是因为其社会批判和道德教育的目标，而是因为其表达的现实性和幽默性。所以这种抗议对有关的人和事没有任何作用，只有革命来评判这种谴责。
用现代的眼光来看待18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢奢华风格的人的代表和组织者，具有“大众支持”的特点。所以洛可可风格的作品出现后就有了与贵族“共鸣”的时尚。也可以说是贵族们崇尚华丽的氛围，诱发了洛可可艺术，当时上流社会的男男女女都热情高涨，亲自参与工艺活动，以至于这些行为有的达到了被嘲讽和荒谬的地步。在16世纪，当没落的瓦卢瓦国王的查理九世国王答应送给西班牙国王一把自己制造的枪时，西班牙大使大为惊讶。18世纪，路易十六的妻子玛丽整天抱怨丈夫沉浸在自己的作坊里，连照顾妻子的时间都没有。路易十六在他的作坊里致力于研究钟和锁的奥秘。在这两个案例中，我们似乎瞥见了那些悲剧人物，他们所扮演的角色是不相容的。这些人在体力劳动中找到了自我安慰的天堂。但这对于不关心国家大事的皇帝来说，却是一个不祥之兆。
风靡一时的异想天开、变化多端的洛可可风格，随着蓬帕杜夫人的去世而终结，取而代之的是路易十五的另一位情妇杜巴利夫人所倡导的新古典主义。但洛可可风格的辉煌自有超越时代的生命力，现代人都认可它是19世纪新艺术运动的前奏。而那些幸存下来的艺术品，依然在闪耀着光芒，向人们讲述着那个时代的时尚和人们不知道的故事。
法国洛可可绘画
洛可可风格的绘画以上流社会男女的享乐生活为对象，描绘裸体或半裸的女性和精致华丽的装饰，配以天堂般的自然风光或异国情调的事物(如威尼斯、罗马)(向日葵、玉米等)。).一方面难免华而不实，自命不凡，缺乏神力的感觉；另一方面，它使画面完全摆脱了宗教主题，具有法式的轻盈和优雅。愉快、亲密、舒适、奢华的场景取代了圣徒痛苦的殉难。
著名画家如:
A.路易十五时代的宫廷画师华多(1684 ~ 1721)有着梦幻般的生活场景，让人心生向往，产生愉悦的感觉。淑女绅士在森林里嬉戏野餐，人物表情优雅。他的风俗画风格是所谓的“野餐”，被誉为“画中莫扎特”。代表作有《西西里岛朝圣》(1717，巴黎卢浮宫)、《小丑》(约1718，巴黎卢浮宫)。
鲍彻(1703 ~ 1770)，擅长以“田园”和“神话”为主题的绘画，充满了贵族趣味。他是乡绅国王的首席画家，也是庞巴杜夫人(路易十五的情妇)的绘画老师。代表作品有《浴中的戴安娜》(1742，巴黎卢浮宫)、《棕发奴隶》(约1743，巴黎卢浮宫)、《庞巴杜尔夫人》(1756，慕尼黑旧画博物馆)。
J.H .弗拉戈纳(1732 ~ 1806)，以华丽的沙龙生活为乐，以当代风情为主作画，用轻快的笔触表现抒情而优雅的诱人画面，如《读书女孩》(1776，华盛顿国家美术馆)《读书女孩》。
夏丹(J.B.S .夏丹，1699 ~ 1779)从静物入手，延伸到人物肖像、非宫廷贵族场景，只传达普通人朴素内敛的快乐，擅长以沉思、朴素的色彩描绘以市民生活为主题的风俗画。代表性厨房静物画《鲶鱼》(1728，巴黎卢浮宫)和《从市场回来》(1739，巴黎卢浮宫)。
其他:
弗朗索瓦·弗朗索瓦·布歇。
让·安东尼·让·安东尼·华多。
让·雷诺·雷·费拉格(让·奥诺雷·弗拉戈纳)
乔舒亚·雷诺兹爵士创建了皇家美术学院的“乔舒亚·雷诺兹爵士学校”。
托马斯·庚斯博罗“金斯伯勒学校”
G.罗姆尼
英国绘画
直到18世纪才出现具有独特民族风格的英国绘画。虽然也采用了洛可可风格，但没有考虑贵族的需求。无论是在风俗画、肖像画还是风景画中，都能反映出英国人的现实生活和民族思想感情。
著名画家有:
平民画家霍加斯(W.Hogarth，1697 ~ 1764)吸收了洛可可艺术中色彩的自然运用，善于运用近乎讽刺的绘画手法，深刻而又痛苦地识别出时代的弊端。代表作《大众婚姻:已婚》(1743 ~ 45，伦敦国家美术馆)。《捕虾人》(1745，伦敦国家美术馆)刻画了一个清瘦贫穷的女孩，性格开朗，充满活力，打破了传统的表现庄重高贵气质的肖像风格。他的理论著作《美的解析》阐述了曲线是最美的线条，并用许多实例说明了变化统一规律在艺术中的应用。
J·雷诺兹爵士(1723 ~ 92)模仿意大利古典主义大师的精髓，关心高贵的题材，比如“历史画”。他笔下的人物高贵动人，却不注重质感。除了给人画像，我还对童话和古代历史插曲感兴趣。他在1768年创立了皇家美术学院，要求艺术家像希腊和罗马一样，创造理想的人体，表现崇高的原则和纯粹的美。代表作有《高贵的奥古斯都》(1753 ~ 54)、《耐莉·厄本》(模特肖像，1760 ~ 62，伦敦华莱士收藏)和《海尔阁下》(1788-89，巴黎卢浮宫)。
受范·代克影响，T. T.Gainsborough，1727~88 ~ 88)有非常规的绘画表现和成熟的肤色、肌理技巧，比雷诺兹更胜一筹。除了画肖像画，我对山水画特别感兴趣。他的代表作有《安德鲁斯夫妇》(1750，伦敦国家美术馆)和《何奥公爵夫人玛丽》(1760，依维柯·比斯特·肯伍德)。
意大利
G tiepolo (1696 ~ 1770)是18世纪威尼斯画派最杰出的代表画家，他的特点是继承了提香和乔治的鲜艳色彩和柔和效果，其作品最大的魅力在于人物充满了英伦才气和鲜艳的色彩。他也是最杰出的壁画艺术家、版画家和漫画家。他被邀请到欧洲各国为当时的皇室制作壁画。最著名的作品是德国费斯堡的天花板壁画(ceiling)，充分体现了洛可可艺术美丽、优雅、轻松的特点，《圣母与金翅雀的婴儿》(1760，华盛顿国家美术馆)也有同样的风格。
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时尚和家具
巴洛克时尚与风格主义和西班牙时尚的几何严谨相反，深受充满活力的生命意识的影响，这与建筑和造型艺术是一样的。以前的轮状细褶领与平领或垫领形成鲜明对比，现在垂下来没有浆，后来干脆换成平垂在肩上的蕾丝。帽子有宽边，可以根据每个人的气质做成宽、高或斜的样式，头发可以随意散开。如果你缺少自然的头发，你可以使用假发。自路易八世以来，尤其是在法国，假发成了最令人印象深刻的特征。那种长假是头顶蓬松卷曲，然后分成两翼垂到肩膀和胸部。
男装还是用宽松下摆的罩衫，也可以缝得贴近腰部。袖子是蕾丝袖口，或者只有手臂四分之三长的短袖，露出里面有蕾丝的衬衫。裤子松散地挂在袋子里，挂在袜子上，袜子上系着玫瑰丝带。1675左右，出现了男装三件套，至今仍在流行。外套演变成及膝马甲，外面套一件紧贴腰部缝制的外套。裤子是长及膝盖的短裤，接着是丝袜和有纽扣的鞋子。
巴洛克女装放弃了西班牙钟形裙的几何严谨，但保留了宽大的臀部和紧身胸衣。在一件不同颜色的衬裙外面，穿一件钟形长裙，多是前面打褶，后面拖着。洛可可女装变得风骚起来，有褶边、荷叶边、休闲蕾丝、凸起的衬裙。一枚圆顶状的鲸骨戒指取代了古代的钟形裙，造成了巴洛克晚期女性典型的剪影效果。从过于宽大的裙子到单薄的肩膀，再到高耸的头部，整个人呈现出圆锥形。
巴洛克时期的家具增加了沙发床、写字台、壁桌、抽屉柜(对旧抽屉柜的改进)和软垫扶手椅。像当时所有的家具一样，带软垫的扶手椅稳定而沉重，靠背后倾，雕花罗纹腿之间有X形或H形撑条(不再旋转成圆圈)。市民的巴洛克家具喜欢使用天然木材(实木或贴面)，而贵族家具往往需要镀金，非常奢华。
洛可可家具从其装饰形式的新观念出发，其特点是将截面从弧形发展到平面拱形。圆角、斜边和富有想象力的细线让家具看起来不那么笨重。各部分摆脱了一直遵循的结构划分，组合成一个鲜活的整体。坚硬的栏杆腿演变成了“鹿腿”。面板上镶嵌着用枫木、红木、乌木、紫檀木等不同颜色的上等木材制成的镀金铜片和雕刻。随着路易十五时代的结束，这种最华丽、最流行的家具风格也走到了尽头。
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建设
洛可可式建筑的外观满足于有节奏的布局，天然的建筑材料或者一种简单的色调，而内部的装饰则是丰富多彩的，多样的。最大的特点是生活的享乐主义思想，是生活的世俗享受阶段，主要体现在皇家贵族为自己建造的宫殿中。
巴洛克建筑与洛可可建筑的比较:前者注重线条的节奏感、数量感、空间感和丰富多变的立体感，具有绘画的效果。后者在前者的基础上，更注重墙面的形式美，用复杂的曲线和装饰画覆盖墙面，甚至用镜子或烛台来丰富室内空间，喜欢用进口产品(如中国瓷器、日本漆器、东方丝绸和挂毯、非洲珠宝、意大利水晶灯等)来装饰室内。).
室内装饰通常以白色为基调，用花、草茎、棕榈、波浪、泡沫或贝壳作为装饰图案，带来一种异常纤细活泼的趣味，但却破坏了建筑的平衡感、庄重感和稳定感，尤其是金、白、浅绿、粉红等耀眼的色彩，更是耀眼夺目。这种繁琐而做作的风格，真的是装饰艺术的极致。
代表作品:g .博弗兰德(1667 ~ 1754)，巴黎苏比茨之家(1736-9，如里面的公主厅)。德国维尔茨堡住宅中的凯泽萨尔(1749 ~ 1754)是在建筑师b·诺依曼(1687 ~ 1745)和蒂波罗(g。
代表作品
Boffrand (G. Boffrand，1667 ~ 1754)，巴黎苏比兹的房子(1736-9，如里面的公主厅)。
德国维尔茨堡的住宅凯泽萨尔(1749 ~ 1754)是在建筑师b .诺依曼(1687 ~ 1745)的领导下建造的，而蒂波罗(g .丹麦宫也是标准的洛可可式建筑。