戏剧表演技巧

在语言和动作的范围内，戏剧要求合理的夸张。那么你知道话剧的表演技巧是什么吗？我们来看看吧！

1，以贴近生活的舞台语言和舞台动作为主要创作手段。

戏剧台词是放大的生活语言，独白是潜台词的外化。随着演员的肢体动作，台词分为三个部分，即:对话、独白和旁白。

(1)对话的作用(与对手交流)

给你的对手提建议(你最近在忙什么？能告诉我吗？)

回答对手的问题(哦，你问我，我在编小品)

和对手交换信息(实话告诉你，我考上了“中戏”)

或者有语言之争(你们这样说话吗？我真的很佩服你。

(2)独自的角色(与自己和想象的物体交流)

疼痛的缓解(唉，疼死我了...)

哭诉不幸(天啊！哇！)

情绪的发泄(我要杀了他！我希望我能吃了他)

对发生的事情的批评(这个世界如此不公平)

过去的记忆(那时...)

对事物的判断(我觉得不会这么简单)

行为反思(咳！都是我的错...)

幸福的叹息(哦，我是多么幸福...)

②旁白的作用(与观众沟通)

介绍一下历史背景(搞军阀，乱打仗，白脸的去黑脸的)

串联故事内容(如今的民国，还是没有办法剪辫子)

说明人与人之间的关系(王掌柜发财，金元宝和银锭一起来)

表达作者内心(苦水尽，甜水来，谁也不想当奴隶)

2.台词的重复和即兴结合。

没有音乐，没有鼓和锣。

节奏由演员自己掌控。

台词和动作都经过锤炼。

熟能生巧，精益求精。

强调表演的力度、速度和幅度

提倡重复和即兴相结合。

取决于剧院里观众的反馈

帮助演员做出判断和选择*指定情境。

这是不以个人意志为转移的。作者已经写下了时间和地点。而且剧情发展，人物，人物关系都已经定了。如果要改，必须经过全体船员一致同意才能改。所以表演一定要按照规定的情况进行，不能为所欲为。我们要分析作者给的课本，分析好，分析透，根据指定的情况找出人物的言行。

*行动

戏剧表演无非是语言和动作，动作有两种。

外部运动(即身体和肢体运动)、头、手、身体、五官...

内部行动(心理行动)

心中有一样的动静，也有一样的动静。在一个舞台表演中，如果只有一个外部动作，那就是假的。所有外在的行动都是基于内心的情绪。一个人开心的时候会怎么样？总是跳过。当你什么都找不到的时候，你还会有这种蹦蹦跳跳的动作吗？不同的情绪产生不同的身体动作。

很多时候，基本上演员不会为角色设计肢体动作。但其实设计出来的小动作往往能体现一个人的性格。这种动作必须符合角色的心情。很多朋友上台都会手足无措，说台词的时候也会有很多无机动作。这往往会让人觉得人物形象不清晰。所以作为一个肢体动作，必须要训练和练习。光说是没用的，需要在实践中更加熟悉和细化。

*想象一下

这对性能也很重要。如果你没有想象力，就不要表演。每个人都有想象力，问题是想象力用不用。想象力也是需要练习的，可以丰富我们的想象力。台上的对手显然是我的同学。怎么会是我老婆呢？这需要想象力和更多的背景材料，如他们的感受和家庭...

在剧中，这件事是和他一起发生的，但为了丰富它，我们不得不去想象很多以前发生过但在剧中没有出现的其他事情。这就是剧中的‘角色自传’。往往剧本里什么都没有，演员得自己想。

舞台上的想象力也很重要，比如把舞台想象成一座房子。没有这种想象，眼睛会变得很假。想象这个房间很漂亮，那么你说赞美的话就很现实了。

有时候用一些情绪是必要的。比如说，我怎么能泪流满面？

拍电视剧的时候，单摄和多摄是不一样的。外部位置通常是单台机器。比如先拍演讲者，再拍大观众，再拍单个观众...这会减慢拍摄速度。有时候拍完就骂你，换飞机，就拍你哭。那么会哭的人就会懂得酝酿情绪。想象一下听着听着就想哭是什么感觉。这都是你自己的想象，没人会帮你。这是演员最难掌握的。演员可以使用某些情感，那些他们感觉到的情感，在剧中使用。这个技能需要练习。

需要半个小时酝酿情绪，可能会让你哭得更厉害。因为焦虑，所以要尽快找到情绪，但是越焦虑越无能为力。原因是什么？这是因为注意力不集中。

*专注。

如果你有太多的分心，你就不能集中注意力。一个演员被扇了一巴掌后，能很快哭出来。因为羞愧和委屈，此时的他已经没有了其他的想法。

基础训练中，专注力更重要，无论是排练还是上台都要注意。第一次上台会很有压力，需要我们去克服。

当我第一次代表专业人士表演时，我不知道自己在做什么。现在演出结束后我会有自己的感受，可以对自己的表演有一个评价。但是因为那晚我很紧张，所以无法知道自己的表现。

有些朋友在表演过程中注意力分散，必然会影响表演。这个定力是一定要训练的，但是有一些经验分享给你。新人在第一次演出前会很矛盾。我们可以试着去思考这个剧，某个段落的处理，整个过程。千万不要透过窗帘去看来了多少人，我的朋友来了没有。别担心这些事，因为这对表演没好处。把戏放在第一位，不要让其他事情影响你。

*沟通

这是很多业余朋友很容易忽略的。沟通有很多种。

(1)与对手直接沟通。

与观众的间接交流。

如果你想和观众直接交流，是不会被斯坦纳认可的。但这种情况会发生在很多流派的表演中。

(2)与一个不存在的对象交流。

这个物体可以是一件东西，也可以是一个人。在一部戏里，远处有一对假想的情侣(不在舞台上)，演员的独白就是和假想的对象交流。再比如在一些剧中，演员与天、神等沟通，也属于这一类。

(3)与自己沟通

这种情况在生活中偶尔会发生(对他自己)，在剧中就更多了。用嘴说出心里的话。舞台上经常有这样的台词。

沟通是相当重要的。

如果和对手沟通，可以刺激对手。你的对手收到信息后，大家的配合会更加默契。作为一个在舞台上表演的演员，和观众交流感觉完全不一样。

没有这种训练，演员害怕交流，看着别人就觉得不自然。但其实一般来说，我们的日常交流都是靠眼睛的。

沟通可以是和对手的沟通，不一定是从头到尾看着对手。两个人说话的时候，眼神总会离开。

除了眼神交流，还有心灵交流。这可以是一种感觉，真正表演的人懂得用眼。看与不看，都会有它的特殊效果。但是我们都要互相交流。通过眼神，表现人物关系，表现对对手的态度。

表演元素还是很多的，今晚选的这些可以让演员的基础更加扎实。很多人可能忽略了这一点，以为自己在舞台上就能做好，也有人认为没必要太认真，玩得开心就好。但是如果你真的想表演，把基本功练得更扎实对你以后有好处。

除了动作，戏剧还强调语言。

戏剧主要是说说话。舞台上的语言需要被放大。舞台和观众之间是有距离的。如果影视表演可以更自然，但不要在舞台上。小声说话，让听众听得见，是需要技巧的。

舞台上的语言是经过艺术加工的。

很多年轻的业余演员台词都很弱，弱的是没有经过艺术加工。在这方面我们必须运用一些技巧。

舞台语言有哪些技巧？

重音，停顿，语调

我们必须通过这些技术训练来提高。

试着用不同的停顿来区分下列句子的意思:

妈妈说我错了。

1.妈妈说我错了。-我错了

妈妈说我错了。

演员技能训练的目的是使学生经过学习和训练，掌握创作任务，即创造真实、准确、生动、形象的舞台人物的方法。为此，首先要培养演员内在和外在的创作素质。作为演员，要有敏锐的观察力、深刻的分析理解力、持续稳定的注意力、丰富活跃的想象力、准确清晰的判断力、灵敏即兴的应变力、真挚的感情和生动的模仿力。同时要有信仰感和现实感，节奏感，形象感，体裁感。这些素质的培养和发展贯穿于整个训练过程。但在训练初期，我们通常以培养和发展演员的基本创作素质为重点，经常采用各种类型的游戏、即兴练习、哑剧技巧、面具练习、动物模拟、人物模拟、人物小品、表演小品等方式进行训练。与此相结合，就是训练呼吸、发音、发音、语言的基本身体素质和基本技能。

语言和发声是戏剧演员从事专业舞台表演的重要工具。舞台上的语言和发声与生活中的不同，它的训练要求清晰、响度、传神，让观众听清楚台词；它还需要一种悦耳动听的音质，既能给人以美的享受，又要善于吸引听众产生情感的歌曲。要学会如何处理语气语调，掌握台词的节奏和语言声乐造型的个性技巧。此外，演员的发声器官必须锻炼得持久、健康、有活力，才能胜任繁重的表演活动。训练的内容一般是发声姿势、呼吸方法、元音发声、音位过渡、咬字肌力、发声位置、扩展音域、音域连接、音量强度、声音造型等等。除了直接通过说来练习，还广泛使用一些唱法，根据音阶音程来练习发音。

演员的身材也是塑造人物的工具。训练演员，就要训练他们的形体，让他们艺术地再现人物的体态、举止、神态，进而准确地表达思想感情，塑造个性鲜明的艺术形象。一般来说，训练是从戏剧表演对肢体动作的要求出发，既要基本贴近生活的状态，又要区别于生活，有舞台感，受舞台制约；它必须有造型感，有表现力，不能有固定的程序，所以必须具体，有特色。因此，演员的身体必须放松灵活，协调自如，动作轮廓清晰，抑扬顿挫，灵敏可塑性强，善于捕捉和模拟各种角色的外在特征，以适应不同年龄、职业、性格的角色扮演和同一角色不同时期的演变需要。一般会从芭蕾、现代舞、民间舞、体操、击剑、国剧中选取和借鉴一些训练内容，根据各自情况有所侧重。

学习如何塑造一个完整的舞台人物，是演员技能训练的最后一个阶段。一般采用独幕剧和整部剧的排练方式，在排练过程中教授必要的创作方法。在这个阶段，学生要系统地学习分析剧本和角色的方法，学习如何处理角色的想法，并通过舞台动作在舞台上体现出来。

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