时尚插画师——最火的时尚插画师是怎么炼成的？

时装画:有500年历史的“时尚魔鬼”时尚插画已经存在了近500年。既然服装产生了，就要把设计服装的理念或形象转化为时尚插画。这种视觉形式起源于插画、绘画和油画，也被称为“时尚素描”。服装设计师主要使用“服装草图”在纸上或数字方式进行头脑风暴。它在设计中的主要功能是在缝制实际衣服之前预览和可视化最终结果。接下来我们就来看看时尚插画这个有着500年历史的“时尚恶魔”的历史发展过程。1.时尚插画的开始时尚插画始于16世纪，全球的探索和发现导致人们对世界各国人民的服饰着迷。解释不同社会阶层和文化适合穿着的书籍被印刷出来，以帮助消除对变化的恐惧和这些发现引起的社会动荡。在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画、蚀刻画或木刻，包括穿着特定民族或等级的人的画板。这些是最早的服装插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能被服装设计师、裁缝和他们的顾客用来激发新的设计灵感。17世纪的艺术家JacquesCallot和AbrahamBosse都使用现代雕刻技术制作逼真的服装和时代细节。这些期刊从1670年开始在法国和英国出版，被认为是最早的时尚杂志，包括LeMecureGallant，TheLady 'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对越来越渴望了解市场最新时尚新闻的女性读者的回应。直到18年底和19年初，男性风格插画才变得和女性插画一样重要。2.19世纪的fashion plate(the fashion plate)在18世纪后期的巴黎最为流行，这期间HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》和Georges-JacquesGatine在拿破仑时期雕刻的一系列水彩时装画等出版物都是。法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的持续需求。这种对时尚服装的兴趣和对时尚服装日益广泛的获取，导致了19世纪出现了150多种时尚期刊。这些非常详细的时装插图捕捉了流行趋势的信息，并提供了一般的服装指南。也是在这个阶段，高级时装出现了(在1860的)。时尚公司雇佣插画师，他们将直接与女装设计师合作。当设计师把布料挂在活模特身上时，插画师会勾画出新的设计。他们还将为完成的系列中的每个设计绘制插图，然后他们可以将它们发送给客户。到19年底，手工彩印被全彩印取代。时装图案开始使用两个图形，其中一个可以从背面或侧面看到，这样可以从更多的角度看到衣服，从而使复制变得更容易。19世纪插画师关注的重点是准确和细节。它们遵循静态图像惯例，以便为观众提供全面的信息和指导。3.二十世纪的时尚杂志和插画二十世纪初的几十年，现代意义上的时尚插画第一次开花结果。随着最新时尚款式的发布越来越赚钱，时尚插画师的工作已经成为一种职业。时尚曾经是一个艺术家的作品，但现在它正在成为一个产业，以前所未有的数量生产新的商品来填补百货商店的空缺。这些商店创造了一种新的消遣方式——购物文化。法国奢侈品杂志Gazette从1912到1925出版，汇集了一群在诠释时尚方面获得前所未有自由的年轻艺术家。Iribe是这些时尚插画师中的领军人物，他向著名出版物投稿，包括CharlesMartin、EduardoGarciaBenito、GeorgeBarbier、GeorgesLepape和UmbertoBrunelleschi。他们为《公报》制作的印刷版显示了日本木刻版画的影响和装饰艺术风格的新变化。在美国，大众市场时尚杂志Vogue和Harper'sBazaar涵盖社交场合和当代时尚趋势。《Harper 'sBazaar》杂志与尔特签订了独家合同，从1915持续到1938，是出版史上最长的合同之一。从1910到二战爆发，《Vogue》杂志的封面一直是图文并茂。《Vogue》早期封面展示的是美国插画家海伦德赖登(HelenDryden)、乔治·沃尔夫普兰(GeorgeWolfPlank)、乔治·勒佩(GeorgesLepape)和F.X .莱延代克(F.X.Leyendecker)创作的艺术作品，一战后，欧洲艺术家也加入其中，包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito)、查尔斯马丁(CharlesMartin)、皮埃尔布里索(PierreBrissaud)和安德烈马蒂(AndreMarty)。4.时装画的黄金时代1920年代至1930年代代表了时装画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被视为时尚艺术家和完美的绘图员。很多人可以用权威和信仰来代表面料的质感、光泽甚至重量。随着摄影和印刷新技术的发展，照片的复制被直接放在杂志的页面上，这意味着时装图案不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的首选。《Vogue》杂志1936报道，照片封面的销量更好，插图开始放入内页。随着1929股灾后的经济衰退，美国时尚界对巴黎时装的依赖度降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造业取得了巨大的进步，改进了大规模生产方法，实现了尺寸的标准化。中产阶级女性可以依靠熟练的裁缝以负担得起的价格购买最新的时尚设计，而《Vogue》和《Women'sJournal》等杂志发布的图案对家庭裁缝来说是无价的。《Vogue》杂志的主要目的是尽可能地向读者展示时尚。摄影将插画师从对服装的精确记录的需求中解放出来，并倾向于诠释时尚服装。据该杂志的出版商称，“艺术家主要对获得有趣的图片和装饰效果感兴趣。他们厌倦了忠实地报道任何关于当代时尚精神的东西，所以他们很无聊。”迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从很多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是展望未来，但这也象征着回到一个更加开朗乐观的时代。5.时尚插画的毁灭与复兴到了20世纪60年代，时尚编辑在摄影的编辑和传播上花费了更多的预算。后来，时尚摄影师晋升为名人，这意味着插画师必须满足于制作和附加文章或从事广告活动。在1960年代，时尚插画在杂志出版业的地位不断消失，这一趋势在青年杂志这一新类别中得到了体现。许多这样的杂志出版于1960年代，所有这些插图都使用插图作为摄影的廉价替代品。AntonioLopez是这一时期唯一定期出现在《Vogue》杂志上的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。20世纪下半叶，时尚插画已经难以生存，直到1980年代才开始复兴。在LaModeenpeinture(1982+0982)、Condenast ' s Vanity(1981)、VisionAire (191)等杂志上发表新一代艺术家。这种复兴归功于广告活动，尤其是巴尼在1993-1996的纽约广告活动。如今的时尚插画介于美术和商业艺术之间，最近被重新评价为一个重要的流派。因为美丽和优雅在时尚和艺术领域已经过时，时尚插画有时似乎回到了更早的时代。摄影非常擅长记录服装的细节信息，所以插画师的重点不再是服装的准确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。20世纪末20世纪初，在数字工具和社交媒体平台的支持下，它发展出了一系列独特的艺术风格。从65438年到0990年，EdTsuwaki、GrahamRounthwaite、JasonBrooks和KristianRussell等先锋插画师开始在计算机图形学领域崛起。这一时期见证了电脑设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现，也见证了传统的基于艺术的时尚插画形式的复兴。纽约帕森斯设计学院和FIT学院开始在他们的时尚课程中提供插画作为特殊元素。手工制作的“传统”插画已经复兴，时尚插画师经常回顾过去的大师，寻找风格灵感。基于古典方法的时尚插画成功地补充了那些由更现代的方法创造的插画。最近，通过时装设计师和插画师的合作，插画开始流行起来。随着社交媒体的使用，时尚插画师开始吸引人们的注意力。时尚插画充满了充满活力的色彩，错综复杂的图案，无穷无尽的个性，给人留下了深刻的印象。欢迎收看公众号“绘画实践”，免费获得插画师绘画秘籍大礼包，了解世界商业插画价格。当代最热门的时尚插画师！是怎么做出来的？他是最火的插画师，也是时尚的最佳代言人。大卫·唐顿，1959出生于伦敦。从小到大，对他最好的对待就是一大张白纸。然而，大卫没想到的是，时间长了，他也可以靠画画谋生了。▲大卫·唐顿年轻的时候也在画画▲画室有自己的画，不亚于毕加索的画室。▲你可以在一个“有趣且有知识性”的工作台上创作出令人惊叹的作品。大卫最初学习平面设计，他的第一份工作是为20世纪80年代早期的一份计算机杂志设计封面。▲大卫·唐顿在纽约的1998时尚插画。由墨水和醋酸纤维素纸制成。▲大卫·唐顿为克里斯汀·拉克鲁瓦(Christine Lacroix)拍摄的1998时尚插画，采用墨色盒纸。大卫做了15年的自由插画师。无论发生什么，他都很享受自由插画师的生活。▲大卫·唐顿为让·保罗jean paul gaultier设计的时装的1999插画。黑色连衣裙搭配黑色墨镜更出彩。大卫以凯特·莫斯为原型，以流行风格展现时尚的经典魅力。该作品在时尚界颇有名气，是近年来时尚插画领域最具代表性的作品之一。▲大卫·唐顿为华伦天奴拍摄的1999时装插画。与拉克鲁瓦、埃里克等人相似，他的色彩充满了现代感。▲大卫·唐顿1999伦敦时尚插画PalomaPicasso。材料是水粉、墨水盒纸和醋酸纤维纸涂层。▲大卫·唐顿1999在伦敦完成剪纸瓶贴，以伊曼为模特。潘通纸上涂有醋酸纤维纸，然后涂上墨水。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格朴实无华，能很好的展现他优美的体态。因为这种独特的画风，有人开始邀请他做时尚插画。其中，85岁的神话人物卡门·戴尔·奥利菲斯也是大卫的缪斯之一。▲大卫·唐顿2000年在纽约的时装插画，模特是卡门·戴尔·俄耳甫斯(Carmen Dale Orpheus)，设计师是蒂耶里穆格勒(ThierryMugler)。这幅画首先用油画棒画在潘通纸上，用醋酸纤维素纸覆盖，然后用墨水画。▲大卫·唐顿2001为欧洲某著名时尚杂志主编安娜·佩吉画像。他成功俘获了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色，俏皮的表情，桀骜不驯的态度，结合看似狂野却非常纯熟的笔触~完美！▲大卫·唐顿在2002年为香奈儿的设计总监阿曼达·哈里特画了一幅肖像。他一直很崇拜拉克鲁瓦、安东尼奥和埃里克这样的艺术家。所以早期的画风，色彩和线条都有相似之处。1996年为杂志制作高级时装秀插画，1997年开始活跃于巴黎高级女装秀。起初，他眼花缭乱，完全没有准备，但巴黎时装秀真的启发了一位艺术家。巴黎有最漂亮的女人和最好的设计作品。这里的一切都很迷人。当模特走猫步时，大卫从不画画。因为他发现不可能，所以他只是拍照或者观看，真正感受每一个感动的瞬间。他抓住任何其他机会画画，任何模特静止的时刻都逃不过他的眼睛。比如试穿衣服的时候，有时候甚至是在发布会上模特休息的瞬间...▲化妆品也是他的工具，感人，适合两种色调。大卫说:“当我刚开始画画的时候，我认为根据舞台上的走秀还原衣服本身是我的责任。”但是，我第一次参加时装秀是在范思哲的秀场上。凯特·莫斯失踪前，我只画了她的手臂！所以，欣赏当前车型所展示的任何细节都是最好的选择。"▲草案也在动。大卫认为最重要的是衣服表面下身体的感觉，然后是比例、颜色等一些细节。然而，这更难做到。▲选秀也让大卫感动的画了无数的设计草图，然后选出最好的。等图纸差不多了，他就开始剔除，进行“分解-重建”。他一直画，直到它们看起来很自然。他为世界各地的著名媒体撰写时尚报道，如《泰晤士报》、《独立报》和《时尚晚报》(澳大利亚版)。他在伦敦举办过三次个展，在纽约举办过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉形象，并为《Vogue》女性时装系列绘制插图。▲2004年大卫·唐顿为《周六晚邮报》画封面。这件作品创作于巴黎，由水粉、水彩和纸制成。▲2004年9月大卫·唐顿为Topshop的时装秀设计的广告海报。这个品牌是年轻设计师的作品。▲大卫·唐顿2005年受《Vogue》(中国版)委托，担任ValentionFitting的插画。由墨水、水粉和纸、醋酸纤维纸制成。▲大卫·唐顿2006年为YSL拍摄的时装插画。材料是墨水、水彩和纸。▲大卫·唐顿2006年为YSL画的时尚插画，由墨水、水粉、炭笔和纸组成。▲大卫·唐顿是2007年《夫人》杂志(德国版)委托拍摄的时尚插画。这幅画先用油画棒画在纸上，用醋酸纤维素纸覆盖，再用墨水和水粉画出来。▲大卫·唐顿的插图是2007年伦敦《泰晤士报》委托制作的。材料是墨水、水粉和纸。▲大卫·唐顿在2008年为他的杂志《PourquoiPas》画了一幅插图。模特是Tita Wantis，服装由Lacroix设计。材料为墨水、水粉和纸，醋酸纤维纸上覆有薄膜。大卫是不是把舞者画的淋漓尽致~要想把功夫磨成针~要想拥有超越别人的能力，就要把自己的能力练到极致！时装元素在时装插画中有哪些应用？能详细介绍一下吗？时尚插画作为现代广告设计中一种独特而古老的视觉传达形式，具有清晰直观的形象，真实的生活感和艺术美，迅速占领受众的视野，如文化活动、商业活动、影视文化等领域。时装插画有多种形式，可以按媒介或功能分类。按照媒体的分类，基本分为两部分，即平面媒体和影视网络媒体。

1.印刷媒体

平面媒体包括报纸插图、杂志书籍插图、海报广告插图、产品包装插图、企业形象宣传材料插图等。尤其是时尚类杂志，目标群体多为女性，其文章多向女性读者推广。所以时尚插画通常都是风格各异的有魅力的女性。而女性热衷于看符合当下潮流的衣服，所以将女性与时尚结合起来进行插画设计更时尚。

2.网络和影视媒体

网络和影视媒体包括网站、游戏、影视剧、广告的角色设定或界面设计。其中服装插画被广泛应用于各类时尚网页中，会根据网站的受众设计出不同风格的作品。游戏方面，随着玩家审美素质的提高，对手机游戏画面的视觉要求和游戏中情感互动的需求越来越高。手机游戏不仅是科技产品，也是艺术文化产品。一款手机游戏要想在激烈的市场竞争中脱颖而出，不仅要在游戏玩法上有创意，还要在美术设计上重视游戏角色的角色塑造。时尚插画会提升游戏角色的个性化和现代性。互联网时代的时尚插画既继承了传统插画的艺术性，又具备了现代设计的功能性，成为一种公认的视觉语言和信息传播载体。

综上所述，时装插画设计是现代社会艺术领域中一个非常重要的内容和艺术形式，在当前社会中已经被广泛应用于许多领域。在各种绘画工具和高科技的帮助下，时尚插画师的产品更加多样化，参与了时尚潮流，甚至创造了时尚潮流，使得整个时尚繁荣起来。